Teoría del autor: definición y directores de autor famosos

En el cine, la teoría del autor es un concepto teórico que se aplica a un cineasta (generalmente un director) que crea una película a partir de su versión singular con un control creativo significativo o total sobre el proyecto. Si bien el cine es un medio colaborativo por naturaleza, hay muchos ejemplos de cineastas que exhiben una autoría significativa sobre sus proyectos, una práctica que los establece como “autores” (autores) de esas películas. Las películas realizadas por cineastas de autor suelen tener un estilo reconocible, que puede ser visual, temático u otro atributo estilístico.

La teoría del autor fue teorizada inicialmente por críticos de cine franceses, incluido André Bazin, y luego fue popularizada por el crítico estadounidense Andrew Sarris, quien escribió sobre el concepto en un influyente ensayo de 1962 titulado "Notas sobre la teoría del autor".

¿Sabías que?

En su libro de 1968 The American Cinema, el crítico Andrew Sarris clasificó a Buster Keaton, Orson Welles, Charles Chapin y Alfred Hitchcock entre los mejores directores de cine de todos los tiempos.

Autores de películas tempranas

Antes de que se acuñara el término, había muchos ejemplos de cineastas que desempeñaban roles creativos dominantes en sus proyectos, desempeñando múltiples roles como directores, escritores, productores e incluso actores. En la era del cine mudo, esto incluía a los comediantes Charles Chaplin (The Kid, The Gold Rush, Modern Times) y Buster Keaton (Go West, The General) y cineastas dramáticos como DW Griffith (The Birth of a Nation, Intolerance, Broken Blossoms). Incluso algunas estrellas de cine populares habían establecido suficiente influencia en la industria para asumir múltiples papeles creativos en sus películas, como Douglas Fairbanks en sus películas Arizona (1918), La marca del Zorro (1920), Robin Hood (1922) y El ladrón de Bagdad. (1924).

La fiebre del oro (1925) fue escrita y dirigida por Charles Chaplin.

Con el crecimiento del sistema de estudios y el enfoque de los principales estudios en la producción de películas de estilo ensamblaje, se volvió menos común que una sola persona trabajara en múltiples roles creativos en una película. En algunos casos en esa época, los cineastas que lograron un éxito artístico o de taquilla significativo pudieron tomar más control sobre sus proyectos. Quizás el ejemplo más conocido de eso durante la era de los estudios fue Alfred Hitchcock, quien a fines de la década de 1940 dirigía y producía sus películas en estudios estadounidenses.

Hitchcock fue una excepción: pocos directores tenían ese tipo de control artístico en Hollywood. Otro ejemplo fue Orson Welles, quien llegó a Hollywood con un pedigrí de éxito en los escenarios de Nueva York y en la radio. Welles obtuvo el control casi total sobre la producción de su película debut, Citizen Kane (1941), que coescribió, dirigió, produjo y protagonizó. El propio Sarris escribió un ensayo declarando el gran estatus de la película en 1956, y el American Film Institute declaró a Citizen Kane como la mejor película estadounidense de todos los tiempos en 1998. Desafortunadamente, por varias razones, entre ellas el hecho de que Citizen Kane no fue un éxito comercial en la taquilla de EE. su vida.

AKIRA KUROSAWA (Foto de Sunset Boulevard / Corbis a través de Getty Images).

Autores de cine internacional

Si bien la estructura de los estudios de Hollywood de las décadas de 1950 y 1960 no permitía a muchos autores, los cineastas pudieron lograr el control artístico de sus proyectos en otros países. Estos autores incluyeron:

  • François Truffaut de Francia (Los 400 golpes)
  • Jean-Luc Godard de Francia (sin aliento)
  • Ingmar Bergman de Suecia (El séptimo sello, fresas silvestres)
  • Federico Fellini de Italia (La Dolce Vita, 8 1/2)
  • Akira Kurosawa de Japón (Rashomon, Seven Samurai)

Varios de estos directores ganarían el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera, que se convirtió en un premio anual en 1957, atrayendo más atención al estilo de cine de autor.

El director Martin Scorsese (izquierda) como el 'Pasajero que mira la silueta' y Robert De Niro como Travis Bickle en 'Taxi Driver', dirigida por Scorsese, 1976. Silver Screen Collection / Getty Images

Nuevo hollywood

A finales de la década de 1960 y durante toda la de 1970, Hollywood y los estudios independientes ofrecieron a muchos cineastas, incluidos muchos que fueron influenciados por autores internacionales, la oportunidad de crear películas con más control artístico. Estos autores incluyeron:

  • Woody Allen (Annie Hall, Manhattan)
  • Robert Altman (MASH, Nashville)
  • Francis Ford Coppola (El padrino, La conversación)
  • Stanley Kubrick (Dr. Strangelove, 2001: Una odisea del espacio)
  • Terrence Malick (Badlands, Días del cielo)
  • Martin Scorsese (taxista, Toro salvaje)

Debido a este cambio radical de un enfoque de mano dura de los estudios, esta era se denominó "Nuevo Hollywood". De hecho, algunos cineastas como Steven Spielberg (Tiburón, Encuentros cercanos del tercer tipo) y George Lucas (American Graffiti, Star Wars) pudieron realizar proyectos de estudio de gran presupuesto manteniendo un control creativo sobre ellos. Sin embargo, a principios de la década de 1980, los principales estudios dejaron de ofrecer tanto control a todos menos a un puñado de directores.

NEW YORK, NY - 01 de marzo: el actor Oscar Isaac, el director Joel Coen y el director Ethan Coen filmando en la ubicación de 'Inside Llewyn Davis' el 1 de marzo de 2012 en la Ciudad de Nueva York. Bobby Bank / WireImage

Autores modernos

Si bien algunos directores de "New Hollywood" como Allen, Scorsese y Spielberg continuaron trabajando como autores durante las décadas de 1980 y 1990, una nueva generación de cineastas de autor pudo establecer su estilo con el surgimiento de distribuidores independientes como Miramax y Gramercy Pictures y estudios. sellos "especializados" como Fox Searchlight Pictures y Sony Pictures Classics, que lanzaron películas de bajo presupuesto a los cines de autor. Estos cineastas incluyen:

  • Paul Thomas Anderson (Magnolia, habrá sangre)
  • Wes Anderson (The Royal Tenenbaums, The Grand Budapest Hotel) 
  • Tim Burton (Edward Scissorhands, Alicia en el país de las maravillas)
  • Joel y Ethan Coen (Fargo, No es país para viejos)
  • Steve McQueen (Vergüenza, 12 años de esclavitud)
  • Lynne Ramsay (Necesitamos hablar sobre Kevin, realmente nunca estuviste aquí)
  • Quentin Tarantino (Pulp Fiction, Kill Bill)

Algunos de estos cineastas, como Burton y Tarantino, han tenido el éxito suficiente para trabajar en proyectos con importantes presupuestos y apoyo de estudio, pero aún mantienen sus propios estilos cinematográficos.

Con el aumento actual de la producción de películas digitales y un número cada vez mayor de plataformas de contenido, se ha vuelto más común que los cineastas creen sus propios proyectos de bajo presupuesto bajo su propio control artístico.